如约而至的分享会暨40UNDER40启动礼丨马树青

icon 2019-08-09 13:37:47

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摘要：“于”的意义丨色彩·空间丨绘画与设计的关系丨“限定”的意义丨抽象艺术

内容导读：

“于”的意义丨色彩·空间丨绘画与设计的关系丨“限定”的意义丨抽象艺术丨问答环节

分享嘉宾马树青色彩·物·于空间

▲马树青丨中国抽象代表性艺术家

马树青分享实录（删减版）：
色彩•物•于空间

“于”是一个介词，决定了句子间的相互关系。康定斯基有一本重要的书，我们国内翻译成《点、线、面》。一次偶然的机会我在法国蓬皮杜里的图书馆看到它，原来法文版的书名不叫《点、线、面》，在点与线和面之间还有一个介词sur（在什么…之上）中文没有翻译，但这个介词意义重大，它的意思是：点、线在面上。

法文的“Plan-面”又包涵了空间的意义，如此点、线、面就不再是简单的并列关系了，而《点、线、面》的德文版，也用了另一个介词zu，应该相当于今天我们交流的题目《色彩、物、于空间》的“于”，这让我们在谈论色彩、物、空间，三者之间的关系会更加清晰。

一直从事绘画，这是一个不断否定和尝试新可能的过程，许多年过去了，绘画带给我最大的收获是让我学会了通过绘画去思考，这看起来比绘画本身对我更重要。

色彩和空间的关系

时空和我们每个人都有着紧密关系，它也是我绘画的主题。我的绘画包含了三种元素，即时间、空间和色彩，时空只是概念，它作为一种“看不见的存在”出现在法国哲学家萨特的存在主义中。

“叠加与重复-马树青2018作品展”—亚洲艺术中心（北京）

我的绘画是视觉的，如何让概念存在于具体可视的画面之上，我必然要依赖于三元素中唯一可视的色彩，让时间和空间得以呈现，成为可视。

色彩是被人们使用最广泛和最频繁的视觉艺术材料，人们寄予色彩太多的情感和赋予了色彩太多的象征意义。

我一直努力要做的就是如何让色彩在绘画上去除人为的意义还原成物本身，因为当色彩成为物，才会与空间产生对话，这是我想说的色彩、物于空间的关系。
如果色彩还停留在人们赋予它们的各种象征意义上，色彩只是与观者的大脑在对话而不会与空间产生关系，不包含空间和时间因素的色彩只是一种装饰

今天在观赏一幅绘画作品的时候，其实我们大部分人已经丧失了真正的观看能力，我们更多是在阅读，我们想的常常比看的多，也许我们真正的观看方式，越短暂越接近绘画作品本身。

绘画与设计的关系

画者与设计者有着很多相关联的地方，随着时间，无论绘画还是设计都变成了我们思考的媒介和工具了。

“叠加与重复-马树青2018作品展”—亚洲艺术中心（北京）

这种思考方式是非常重要的，它会让我们不断的改变自己，不断的做出各种尝试。思考让我们知道，如果不尝试改变，意味着我们并不清楚自己正在做着的是什么。

绘画不同于设计，设计除了对美的追求还包含着作品功能要达到实用的目的。绘画的魅力是它的过程，没有终点和结束，是未完成时。
对于一幅未完成时的作品与展示空间的完成时相遇，两种不同时态必然产生有效的视觉对话，这种对话是丰富而不确定的，会为我们的生活空间增加更丰富的想象力。

设计一把椅子必须从开始就要想到最后完成时的样子，除了美，它还要实实在在地坐着舒适和牢固，它应该是完成时。
如今艺术与设计之间的距离越来越小，边际也越来越模糊，这种对话会给我们相互间带来启示，本身设计产品与绘画、装置作品也越来越多融入到了设计理念和设计作品之中，反观艺术也同样受到很多优秀设计产品的影响。

“限定”的意义

绘画是被限定的，它是平面的，静止的，一般来说一幅作品有着四个边框并带来二维式的观看。

当我清晰了绘画的限定之后，让我堆叠颜料的绘画变得很艰难，侧面堆叠的很丰富，很好看，我在正面却不能再放任何东西，不然侧面的努力就都被忽略了。

一幅二维绘画作品的正面还是绘画的观看核心，试想我正面画成白色覆盖着侧面有很丰富叠加着的颜料。即使十幅正面是白色，而侧面各不相同颜料堆叠的画，看起来还是像同一幅白色的画，所以留给我正面发挥的机会很少，这大概也是因为限定的关系。
我不想让绘画成为雕塑，那会改变自己诠释时间与空间的方式了，我的绘画依旧是平面和静止的限定之下，用平面和静止的绘画来尝试解读空间的深度和时间的流动。

我作品的侧面提示着绘画的过程，对我来说特别容易画的是侧面，叠加着很多不同的颜料，那会有很多发挥的可能性，而正面是单一颜色。这种方式让我没有办法使两件作品产生不同的感觉，所以我有意的强调，会留下一些蛛丝马迹，这让它们看起来不太一样。

抽象艺术

上个世纪，抽象艺术让绘画又回到了平面上，有人说上一世纪最了不起的艺术事件是抽象艺术的兴起，它改变了人们对于艺术的思考模式。

更早的绘画一般是故事化的，为此每幅绘画都要配上外框，这更容易让人进入阅读。抽象艺术的产生，尤其抽象表现主义的开始，绘画的画框被摘除，画幅被增大，这种尝试改变了绘画的命运，使绘画完全脱离文学的束缚，变得更为独立，让作品更为直接地成为存在于空间的独立之物，绘画也更为平面化。

在抽象主义出现前，欧洲的绘画一般是叙述性的绘画，较早是跟传颂圣经故事有关。那时候，圣经是通过图片来传达教义介绍圣经故事，绘画的逼真非常重要，更为让人信服，为了平面上的逼真他们用了几百年的时间建立起一个绘画体系，在文艺复兴前后达到了登峰造极的境界。

我想抽象绘画的形成和发展应该受到了立体派的重大影响，立体派推翻了西方绘画的透视学和光影法，画面不在设立中心，任何一点都变为同等重要，甚至包括画面的边际。

绘画的精彩在于它的过程而非结果，遗憾绘画的过程只有画者一个人在场。生命也是同样，结局只是死亡，这让过程对于生命更赋予意义。结果是确定的，过程充满了未知。
世界上一切物都可以被取代，唯有生命无法替代，艺术品也是物，也无法被取代，因为艺术家通过创作过程已将生命注入到作品之中。

问答环节

问：侧面的画是直接在侧面画的，还是正面一遍一遍堆叠上去的？
马树青：我是从正面画，但是我不会把颜料留在正面，我会刮到侧面。如果是一开始仅仅只刮侧面，看起来会非常不自然，所以我的侧面一直与画的正面保持着连接，所以侧面不是随意刮上的颜料，过程中是整体刮颜料的，色彩相互与空间层次有着很密切的关系。

问：有没有尝试过创作大尺度的画？
马树青：我有时候非常喜欢画大作品，画大作品的时候我感觉像在大海里游泳，常常挣扎着会有被淹没的感觉，画大的绘画，一定要一气呵成，不连贯的话这个大作品一点意思没有，是一种挑战。

问：很多艺术家都在寻找自己特定的表现的语言，艺术语言来表达，我想问的是很多人可能一辈子也没有找到自己特定的语言，您是怎么找到您的语言的，这个过程是怎么出现的？
马树青：我实际上一直还在寻找和颠覆自己已有的语言系统，这是一个漫长的过程，每天面对画布和面对自己大部分时间是一种感性与理性间的交织或博弈，感性总会带来意想不到的机会和改变，但又不能过多的依赖和相信它，而常常是理性思考，包括用哲学的方式思考，才会帮助自己的绘画走得更远，让属于自己的绘画风格一点点的建立起来，这里面必然包含了“限定”，限定让自己成为自己而不是他人。

问：您如何解释“限定”这个词？
马树青：举个例子，当我们享受音乐的时候会把眼睛闭上，因为音乐有着自己的限定，是用来听而不是看，绘画刚好是要受限于看，而不是听，这种限定改变了创作者的工作方法。每个设计师之所以不同，也是因为他们有了各自的限定，也许是来自最初每个人的偏爱，而非理性思考。人们在谈论艺术创作时非常爱谈自由，实际上自由也是一个概念，我们能亲身触摸到的只是限定。

问：您是靠什么决定用什么颜色做它的正面？是您的感情还是爱好？还是您刚才说的跟空间之间的关系？
马树青：我从来不事先想好用哪个颜色画，“想好的颜色”对我没有意义，我更在意无意识随意画出的那块颜色，是这一笔引领我走下去，但正面颜色的铺设总会与侧面整体有关，任何颜色都会有它的生命力，要看它和哪块颜色在一起，又是如何在一起的，这些都与空间有关。

问：您的作品展览的时候空间是白色调的，有没有考虑到空间用另一个颜色去展示或者你认为白色是最好的表达方式？
马树青：一副作品陈列最好的环境是它在哪里画的，因为它大概几个月的时间是在这里完成的，周围的环境，器具还有光，那种气氛，换一个环境有时会觉得这几乎不再是原来的那幅作品了，即使是在一面白墙上。如果被提出要将作品陈列在一面有颜色的墙上，我必须在画这件作品的时候大脑里常酝酿想象那面墙。