长谷川龙友：建筑不是带来短暂惊喜的“玩具箱” 而是值得长久聆听的“八音盒”

摘要：｢人在建筑里是主体，只有去使用，这个空间才能被激活。如何把人和艺术、人和空间、人和建筑的对话组织起来，这是我们在每一个设计当中都一贯坚持的设计哲学。｣——长谷川龙友

  我们先围绕建筑和建筑设计来开展第一个主题： 建筑在离开了建筑师的手之后会自己独立地成长。

  一些海外的建筑虽然经历了很长时间的设计，但竣工之后设计师再来到这里还是会被保安拦门外，所以今天由主办方和赞助方邀请我们在自己设计的建筑里面和大家见面，我们感觉非常荣幸。

建筑设计是一个怎么样的存在？
如何去面对社会？
如何面对现在的时代以及周边的人？

中国设计公开课长谷川龙友演讲

  下面通过我在槇事务所22年工作中的设计案例具体展开建筑的多样性、公共性的主题的演讲，希望通过分享能让在场的设计师对设计观和设计理念会有充分的理解。

  设计互联|海上世界文化艺术中心，是招商蛇口第一次委托国外设计师做的“建筑师负责制”项目。“建筑师负责制”是指从设计的第一天到最后竣工全部都是由槇事务所负责。

  当时场馆方希望建筑能在海上世界片区创造一定的公共性，打造出更强的公共设施。整个项目地上面积2.8万㎡，主要是为了满足展览和商业功能，地下面积4000㎡，除了停车场还有储藏库。

  槇事务所每次设计都会考虑周边（环境）要素。对于这里来讲，后方是大南山，前面面对深圳湾，旁边是女娲广场公园，设计师需要将这三个要素糅合在一起。

  槇事务所的设计师都是非常有经验的设计师，但越是看似很简单的项目，具体空间如何展开，未来如何达到任务书的需求，哪种方案更合适，这是一个需要经历漫长推敲的过程。经过内部讨论和不断的修改，我们最后决定通过“三叶草”平面的构成形式把这三个要素带动和串联起来。

  任务书提出海上世界文化艺术中心需求非常强的公共性。而三叶草方案是一个向心性的平面构成，有“吸引”的概念，也就是项目会向深圳周边、华南地区甚至世界做未来信息推广的发动机，同时又兼具动感的元素。我们在将“三叶草”概念画出来的时候，项目的需求解决和建筑设计已经具备了明确的方向。

  要强调项目的公共性，是指希望建筑是对人友好，有仪式感和欢迎的姿态。

  海上世界文化艺术中心具有几条通向海边的“视线通廊”，比如，能够轻易的走向建筑上面的室外大台阶，这不是单纯的建筑形式，而是希望人能够通过楼梯走上去，同时能够休息、停留，回身去观察整个城市。

  项目打造了开放性、通透性强的入口大厅，大厅里的暖色光线会往外渗透，这些都是用于强化建筑主入口的设计手法。

  海上世界文化艺术中心四楼的主入口能够远眺香港的元朗，对面是广阔的深圳湾。

  绿色的环境和建筑会有宜人的空间体现。因为要达到比较高的公共性，整个海上世界文化艺术中心的场地面积有90%是向一般公众开放的，甚至屋顶花园是24小时向公众开放，我们将面向人接触这一面的尺度压低，目的是为了更有亲近感。

  海上世界文化艺术中心的功能有文化功能如展厅，也有商业功能如餐厅、商店等，而这些需要有某个主线串联起来。

  在某种层面上来说，它不是商业设施，而是一个兼顾文化和商业的综合公共设施。

  我们在建筑整体的定位和个性方面和一般的建筑是不一样的。在主入口可以看到的小展厅非常通透，二楼则是艺术家工作室。

  海上世界文化艺术中心最大的主展厅上面有透光区域，是一个金字塔的磨砂玻璃，它将自然光大通过控制传导到室内。整个室内层高9.5米，可以达到全世界一线的美术馆要求，未来各种类型的世界性展览都可以在这里展出。

  海上世界文化艺术中心的三楼有中庭自然光线的导入，对面是主入口，望海路一侧的视线非常通透，光线非常丰富，有自然光，也有人造光，降低压抑的感觉，也有未来的指向性，视觉方面是相当具有吸引力的。

  海上世界文化艺术中心海边的室内广场不仅可以展示和接待客人，还可以同步进行很多种活动。

  顺着螺旋钢质的室内楼梯上楼就是多功能厅，它是整个建筑这一侧空间的高潮点，而且后面别有洞天，是浮在天上的完全面对海边开放的大空间，这个公共空间无论是使用还是整个景观的处理都可以称作是整个区域首屈一指的。

  整个建筑空间最不能缺少的元素就是人，人在建筑里是主体，只有去使用，这个空间才能被激活，如何把人和艺术、人和空间、人和建筑的对话组织起来，这是我们在每一个设计当中都一贯坚持的设计哲学。

  新加坡兀兰共和理工学院后方面对海峡，海峡对面就是马来西亚，占地面积是20万平米，建筑面积是24万平方米，容积率在1.2以上。

  学院的布局是非常集中、紧凑的，最主要的教学活动、学生的生活活动都是集中在中间椭圆形的空间里进行的，管理设施、剧场、停车场、体育馆，以及能源中心分散在学院四周。

  槇文彦先生在1964年发表的文章中提出过三个最主要的城市形态的概念，新加坡兀兰共和理工学院采用的就是其中的“群造型”的概念，当时提出这个理念只是理论，真正的实践是在新加坡这个项目，可以说新加坡兀兰共和理工学院是从“群造型”理念为出发点进行规划和实施的。

  新加坡兀兰共和理工学院采用的教学方式方式是PBL群体教学，也就是学生和老师形成一个群体讨论的形式，到最后整个方案落实到椭圆形区域“AGORA”和周边11个终端结合起来，组成一个完整的空间形态。

  学院的教学形式是从一个学生日常学习、生活着手考虑的。首先学生进入11个终端中的某一个寻找自己的位置去领老师布置的课题，之后找两三个一起学习的同学在二层平台上找到更自由的空间进行研究、讨论，然后形成论文，最后再返回到终端当中交作业，这是学院日常的教学流程。

  虽然新加坡兀兰共和理工学院图书馆的天花板有8米的高差，但是由于屋顶非常巨大，所以感觉不到坡度，不会有压抑的感觉。同时，在椭圆形区域“AGORA”中的食堂、咖啡厅都是向学生开放的，学生的学习、活动可以在场所的任何地方进行。

  新加坡兀兰共和理工学院使用多层穿透的玻璃幕墙给人一种分层的感觉，极大地丰富了学生对于空间的认知。尤其对学生来讲，空间的认知是需要身临其境体验到的，不能光靠课本去教学。

  有一句名言叫做“巨大的家，非常小的城市”，这是把家和城市的概念颠倒过来，住宅可以变成巨大的，城市可以缩小，如何处理两者的关系和空间也是一个问题。

  什么是丰富的城市空间？既要有吸引力，有人的流动，有动线，也需要每一个在这里的个体有独处的空间，能够去享受沉浸环境的空间。这种相互之间的配合和组合，是判断一个城市空间好与不好的评判标准。

  著名华人设计大师贝聿铭先生在30年前设计了美国麻省理工大学媒体艺术与科学学院，后来学院又请槇文彦先生来进行加建。这两个建筑相隔30年紧紧连接在一起，是在不同时间下两个建筑的一个奇妙组合，在不破坏建筑遗产风貌的基础上满足新时代的功能需求，也在贝聿铭设计的老的媒体中心和槇文彦设计的新的媒体中心之间打造了某种共性和对话。

  贝聿铭关于美国麻省理工大学媒体艺术与科学学院的设计有非常重要的特点：它是一个两层建筑的单体，是一个立方体。槇文彦先生在新的设计里将它变成了四个空间，同时做成立体空间的排列，让平面位移，变成一个非常有意思的建筑空间。

  学院从一楼到屋顶的楼梯的设计意图是希望学生和研究者愿意去走楼梯而不只是搭乘电梯，同时建筑特征更强调“开放性”，把空间隔开形成会议、社交、展览和宣传的空间，在未来可以给使用者最大的可能性，让空间多样性能够保留下来。

  麻省理工大学作为全球知名的高科技院校，有很多企业赞助，企业高管在学院里穿梭并参观各个研究室在做的工作和成果，更加直观地了解这些研究者和学生不是闭门造车，在开放的环境里也可以做出优秀的研究成果。在双层挑高的空间里面还有一些小型的独立办公室，整个视线非常通透，也方便主管研究人员能够更好的监督。

  作为设计者最理想的目标就是能达到相互之间的对话、交流，甚至赋予创作的灵感。

  印度比哈尔博物馆项目源于2011年的一个设计比赛。比赛中其它的参与方都希望设计一个有地标性的、视觉冲击力强的项目，因此做了很多的方案，但是槇事务所充分利用5.8公顷的用地，把所有的（建筑）体量淹没之中然后分散去布置。

  印度比哈尔博物馆的地上面积是2.5万平方米，整体的空间构成和平面布局是根据功能任务书的要求而来，通过中间的一个连廊连接起入口大厅、各展厅、管理中心以及一个小剧场这四个功能空间。

  印度是全世界最早发现钢和铁的地方，所以建筑的外立面采用的是现在常用到的锈蚀钢材，而内部空间更多使用的是白色砂岩。从主入口进来，首先看到的是明亮的中庭，往右边走就是多功能厅，左边是咖啡厅。利用南亚炎热、有强烈日光的特点，有节奏地布置柱廊装饰，让室内有清晰的阴暗投影，这也是空间演出的手法之一。

  槇事务所做的设计会有室内、室外不断的穿插和变化，来参观的人不仅对某些物件有兴趣，很多空间的变化也会让他们因为感兴趣而停留。据说释迦牟尼是在比哈尔州开悟的，而且早期一直在这里生活，所以除了当地艺术家做的手工艺术品之外，还有一些佛教题材的展品。

  在另一侧的儿童展厅，是通过“主题公园”的展示方法引起孩子们对历史的兴趣。儿童博物馆的外观非常简洁，用白色的砂岩和红色的当地陶板，色彩明快。博物馆方希望建筑能把悠久的印度历史文化与周边的环境结合起来，最好能在世界建筑史上有所建树。

  建筑的两个含义，一个是理性，一个是感性，对设计师来讲面临更多的是感性上欲望的诉求，很难去压制这种诉求或者在工作中寻找一个平衡。

  对建筑来讲，一种可能是过年的一个玩具箱，当你打开它的时候，跳出一条蛇，或者一个惊喜的小物件，另外一种是外观一致的八音盒，打开以后会不断地重复。

  建筑应该是玩具箱还是八音盒？

  建筑空间需要被消费，就像“玩具箱”一样，拿到它的瞬间就是消费它的瞬间，我不希望建筑是一次性的惊喜，看到了就被遗忘了，我希望像建筑像“八音盒”，打开以后可以不断地去慢慢体会，一遍听完再听下一遍。

  如果建筑能够长期地被社会接受，被使用者接受，这个建筑才有真正存在的意义。

  提问：您在做建筑设计的时候，是如何看待家具在建筑空间所扮演的角色的？

  长谷川：家具是建筑师作为建筑空间综合表达的重要元素，比起建筑空间，人最先接触的是家具。

  比如说天花板用什么材料，地板用什么材料，墙壁用什么材料都是经过反复推敲的，但是一般人很难直接去接触它，真正接触的可能只是一把椅子、一张桌子。

  家具是带给人们空间体验最直接的东西，如果家具选的好会带给使用者更好的空间体验感。

  「中国设计公开课」是2018年由新浪家居与亚细亚瓷砖联合多家机构发起的，专注于空间设计师综合实力打造的知识分享平台。通过前沿专业设计、跨界艺术鉴赏、商业素养提升等综合课程设置，激发思维探索，助力中国设计师全面成长。在深圳首站过后，「中国设计公开课」将继续走进其他7个中国极具文化灵魂的城市，并邀请活动举办地的主创团队分享地标建筑设计背后的故事，并寻找城市最具创新思维或代表性的设计师带来独特的分享。

  亚细亚瓷砖是亚洲极具知名度的全方位陶瓷专业制造厂商，是首家在新加坡挂牌上市的中国陶瓷公司。由于设计新颖、款式多样、色彩丰富以及高硬度、高耐磨度、超低吸水率和超强防腐性等过硬品质，亚细亚瓷砖多年来倍受建筑设计院、房地产开发商和广大消费者的喜爱。先后为世博会德国馆、非洲联合馆、东方明珠电视塔、北京王府井饭店、八万人体育馆、浙江大酒店、皇冠大酒店等重要工程项目提供了大批量的高档瓷砖精品。已然成为中国顶级瓷砖的代名词，同时也是广大消费者心目中优质生活的代言人，并先后被评为”全国用户满意产品”“中国500最具价值品牌”。 

  版权声明：文中配图大多来源设计互联|海上世界文化艺术中心以及槇综合计画事务所，转载请注明出处。

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